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Por qué amo el cine

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Cine experimental: 10 películas que te harán amarlo de una vez por todas

Rafa Poverello
  
El cine experimental tiene fama de ser ininteligible y solo para unos cuantos iniciados que se enteran de qué quería decir ese artista pedante con esa cosa extravagante. ¡Mentira! Para terminar con este prejuicio de una vez por todas, aquí tenéis 10 películas experimentales para todos los gustos.


Cine experimental: 10 películas que te harán amarlo de una vez por todas - Canino

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“La historia del camello que llora” (2003)

Rafa Poverello
  
Si eres mujer, de Mongolia, te da por dedicarte al cine y encima haces semidocumentales tienes que ser muy buena para hacerte un hueco y ser además nominada a los Óscar.
Todo eso en su conjunto lo tiene de sobras la directora Byambasuren Davaa, que con un estilo tan delicado como ausente de artificios sumerge al espectador en medio del desierto mongol y lo hace observador impaciente de pueblos que ya han sido olvidados y fagocitados por la sociedad de consumo capitalista.


“La historia del camello que llora” (2003) byRafaPoverelloonZaguer@s

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"A Ghost Story" (EE.UU. 2017, David Lowery)

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David Lowery es de esos directores jóvenes a los que tener muy en cuenta. También guionista de sus películas ya puso sobre sí todas las miradas con la inusual cinta independiente de género criminal "En un lugar sin ley" (2013), que mereció el elogio casi inánime de la crítica, algo más repartido entre el público, menos acostumbrado a tener que pensar demasiado en filmes de acción y suspense. Protagonizada por los mismos artistas, Rooney Mara y Casey Affleck, peor se lo pone Lowery a la peña con el cine de fantasmas en "A Ghost Story",  Una película tan espléndida como desesperante para algunos. No sé si podrá volverse a ver en las pantallas una disección tan fabulosa y metódica sobre la soledad, el olvido y la desesperanza.

Imborrable.

Film Clip: 'A Ghost Story'

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Watch a clip from "A Ghost Story," starring Casey Affleck and Rooney Mara. Photo: A24
"La mano" (Checoslovaquia 1965, Jiri Trnka)

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Son menos de 20 minutos, el corto. Y suponen todo un legado, pues esta última incursión en el mundo del cine, pocos años antes de morir de manera prematura, del gran Jirí Trnka es uno de los más tristes y duros alegatos que pueden verse en pantalla sobre la libertad creativa.

“La mano” (1965)

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Jiri Trnka "Ruka" / The Hand (1965)
by özlem kahraman on Vimeo
Buen fin de semana, compis de las redes libres

Rafa Poverello
  
"Shane" (1953), de George Stevens: Una de las películas del oeste que más me impactaron cuando era peque, y cuyos resquicios llegan hasta ahora. No sé la de veces que la he visto. Y me sigue emocionando, a pesar del título en castellano, que es para echarle de comer aparte.

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"Garras humanas" (EE.UU. 1927, Tod Browning)

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Tod Browning no necesita demasiada presentación que digamos. Un visionario del cine de terror capaz de hacérselo pasarlo mal al público con sólo un par de ideas a las que siempre supo dar forma excepcional consiguiendo que cada cual se identifique hasta con la supuesta deformidad. "La parada de los monstruos" (1932) es un filme de culto imprescindible que da buena cuenta de lo que estamos hablando, y que pudo realizar, posiblemente, gracias al éxito cosechado el año anterior con la más pragmática "Drácula", con bela Lugosi.

Pero Browning ya apuntaba maneras. De siempre, y si alguien tiene disponibles 50 minutos de su tiempo no los va a desperdiciar si se decide a ver "Garras humanas" (1927). Un indescriptible y pavoroso cuento de hadas que no pierde un ápice de interés y perspicacia con el paso de los años y, además, cuenta con algunos experimentos cinematográficos de lo más originales.

Y bueno, está una jovencísima y maravillosa Joan Crawford de 23 añitos en uno de sus primeros papeles protagonistas.

Garras humanas (VOSE Tod Browning, 1927)

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Alonzo es una de las atracciones del circo gitano de Zanzi. Aunque es manco, arroja hábilmente con los pies cuchillos contra Nanon, la bella hija de Zanzi. A la joven no le gusta que los hombres la manoseen, en especial Malabar, el hombre forzudo. Por eso se siente muy a gusto con Alonzo, pero éste no es quien dice ser.
"La ley del hampa" (EE.UU., 1927 Josef Von Sternberg)

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  última edição: Sat, 02 Dec 2017 05:13:03 -0200  
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Josef Von Sternberg hizo bastantes cosas más por el séptimo arte aparte de descubrir al mundo a Marlene Dietrich en "El ángel azul" (1930).

Tres años antes realizó la primera película de gánsteres de la historia, "La ley del hampa". Nada más y nada menos, y no sería porque se lo pusieron fácil, pues eso de que en Hollywood se les vaya la pinza con novedades que no saben ni cómo les van a salir no suele ser habitual, ni en mucho ni en poco. Pero Sternberg sorprendió a propios y extraños con una cinta que, si bien aún no marca los cánones del género, precisamente debido a ello supone una rara avis, como suele suceder con todo lo fundacional. No en balde recibió el Óscar al mejor guión en aquel lejano 1927, obra del gran Ben Hetch, responsable de otro clásico de nada: "Scarface, el terror del hampa", de Howard Hawks.

Que aproveche.

La ley del Hampa (Josef Von Sternberg, 1927): Internet Archive

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Tinta ElectrónicaTinta Electrónica escreveu a seguinte publicação Fri, 10 Nov 2017 14:02:45 -0200
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Análisis de películas: ENEMY MINE
Enemy Mine es una película de ciencia ficción de los 80. Protagonizada por Dennis Quaid y Louis Gossett, Jr., la historia toma lugar en algún punto lejano del espacio y a finales del siglo veintiuno. Existe una guerra entre los humanos y la raza llamada drac, unos seres reptilianos, bípedos y de forma humanoide. La guerra nace a partir del afán de ambos bandos por conquistar los planetas de la galaxia. Las batallas están a la orden del día, y en una de ellas, el piloto humano Willis E. Davidge se enfrasca en una persecusión innecesaria contra una nave drac, lo que lo lleva a estrellar su nave y a perder a su copiloto. Luego de verse solo en un planeta totalmente desconocido, decide ir a por venganza, ya que su enemigo también se estrella en ese planeta y no muy lejos de su posición. A pesar de todo, la circunstancias invitarán a ambos a tener una relación en contra de lo estipulado. Con una historia ridícula, sin pies ni cabeza, la película comienza de forma muy apresurada, tapando los vacíos con una voz explicándote ciertos detalles. El director carece de cualquier gusto fino en esta producción, ya os lo digo. La película no es lenta, pero no emociona y hasta te hace sentir vergüenza ajena. Los personajes son inverosímiles, el guión es un chiste y la fotografía no es algo que destaque. Sobre la actuación, puedo decir que hubo intención, y que a ratos se pudo ver cierta emoción, pero con la historia paupérrima detrás, el pastel sabe amargo. La música deja mucho qué desear, pronto la olvidarás.Los efectos están bien y la edición es aceptable. El único departamento a destacar en esta película, es sin duda, el de maquillaje. La creación de los drac me pareció maravillosa y digna de aplauso. Toda una proeza para esos tiempos. Enemy Mine es una película sosa, que si bien es soportable, está lejos de ser una digna entrada en el género de la ciencia ficción. No obstante, tampoco es una película que se haya hecho sin amor al arte, pero creo que el amor no bastó. Buenas intenciones, mala ejecución. Pero lo peor: la historia. Está basada en un libro, a ver si éste vale la pena...aunque lo dudo. Puntuación: 2/10 #musica #música #marketing #tecnologia #tecnología #educación #educacion #filosofia #economia #libros #kindle #literatura #tintaelectrónica #ebook #youtube #ciencia #internacional #rock #videojuegos #manga #anime #blog #fotografía #fotografia #internet #softwarelibre #españa #méxico #mexico #colombia #peru #brasil #venezuela #puertorico #guatemala #elsalvador #argentina #bolivia #ecuador #salud #web #twitter #periodismo #madrid #series #historia #mujeres #leer #video #audio #autos #poesía #debian #diy #terror #animal #cine #hollywood #tintaelectrónica Enemy Mine
"Gattaca" (EE.UU. 1997, Andrew Niccol)

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Hubo un tiempo en el que Andrew Niccol era un gran director. Era el tiempo en el que se pensaba que no todo iban a ser efectos especiales y guiones de mierda. Los 90. Cuando aún Hollywood no le había comido la oreja, porque era su primera película NIccol. Fue la hora en la que estrenó Gattaca, y en menos que canta un gallo se convirtió en filme de culto.

Después, NIccol, guionista de sus películas, quiso mantener el tipo respecto a la denuncia social y a la sociedad capitalista y mercantilista, con buenas ideas, pero con pretensiones demasiado vendibles: Simone, El señor de la guerra, In Time... Ahí lo dejé. Quizá debiera haberlo hecho antes, aunque en la mente, la que se me va a quedar para siempre jamás, será Gattaca.

Gattaca: Internet Archive

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"La mamá y la puta" (Francia 1973, Jean Eustache)

Por qué amo el cine
  última edição: Sun, 12 Nov 2017 07:01:20 -0200  
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Un golpe en la mandíbula para la época con esos diálogos 'impúdicos' y libres, como aparentan ser los protagonistas de la historia, y que marca el fin de la Nouvelle Vague francesa.

Aunque en el plano meta-argumental Eustache se sale y digamos que pone fin al ciclo de este movimiento cinematográfico con su marcado énfasis en la decadencia de todo lo anterior, en los monólogos y los planos fijos, lo cierto es que a varios niveles se le nota hijo de esta corriente: Bresson, punto de inflexión entre el neorrealismo y la Nouvelle Vague, cuyos personajes tienen ciertas similitudes interpretativas con Alexandre, o el estilo directo y experimental a nivel de planificación de Truffaut o Godard, aunque mucho más complejo sin duda.

Ya más tardío, y en parte también transición entre la Nueva Ola y este nuevo cine experimental, se percibe la influencia en esta película de 'La rodilla de Claire', de Rohmer, que anticipa, sin tanta nitidez y ruptura, la liberalización de la mujer, del sexo y la libertad social.

Eso sí, paciencia y el espectador tiene que saber a qué se arriesga. Tres horas y media de planos fijos, monólogos, sinfonías de primeros planos. Pero bueno, quien no arriesga, no gana.
Rafa Poverello
  última edição: Thu, 31 Aug 2017 12:28:16 -0300  
Si te gusta el cine, puedes publicar tus escenas y películas favoritas en mi canal @Por qué amo el cine+. El último post "Esto no es una película" :-) .

If you like cinema, you can post your favorite scenes or filmes from my channel @Por qué amo el cine+ . The last post "This Not a Film" :-) .

Por qué amo el cinePor qué amo el cine escreveu a seguinte publicação Wed, 30 Aug 2017 10:40:22 -0300
"Esto no es una película" (Irán 2011, Jafar Panahi, Mojtaba Mirtahmasb)
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Theatrical Version

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@Por qué amo el cine+
"Esto no es una pelí­cula" (Irán 2011, Jafar Panahi, Mojtaba Mirtahmasb)

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  última edição: Sun, 12 Nov 2017 07:38:12 -0200  
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Poco importa si es el día de Reyes, la onomástica, el cumpleaños o cualquier aniversario. No existe mayor regalo que la libertad, pero no la otorgada por alguien que se considera amo de otro como si no fuera un valor ya en sí misma, sino la de pensamiento que jamás podrá estar sujeta por cadenas. "No se nos otorgará la libertad externa más que en la medida exacta en que hayamos sabido, en un momento determinado, desarrollar nuestra libertad interna". Lo dijo Gandhi, que pasó largas temporadas en prisión por negarse a doblegar su ánimo a lo injusto. "Los verdaderos lí­deres deben estar dispuestos a sacrificarlo todo por la libertad de su pueblo". Frase de Madiba, el gran Mandela, que también sabí lo suyo de perseverancia tras más de 25 años encarcelado por seguir a su conciencia.

Ambos maestros en el difícil arte de la libertad por encima de todas las cosas se enorgullecen, están donde están, de la vida y obra de Jafar Panahi y de manera aún más visceral y concreta, sin resquicio de duda, de su penúltima pelí­cula, aunque según él no era tal. El director iraní lleva siete años con constantes problemas con el régimen de su país, entrando y saliendo de prisión (esto último gracias al apoyo constante de numerosos miembros del mundo del cine y de la cultura en general) y desde 2011 hasta la actualidad padece arresto domiciliario y tiene prohibido dirigir durante 20 años.

Si existe un paradigma de lo que significa el séptimo arte a nivel de libertad creativa y transformación social este es de manera radical el filme "Esto no es una pelí­cula". Rodada a escondidas en el domicilio en el que permanece aislado con la ayuda de varios colaboradores de los que no puede ni colocar el nombre en los títulos de crédito finales, esta obra comienza con la puesta en escena del guión que supuso el arresto definitiva de Panahi y termina con un riesgo y una desobediencia absoluta a la condena y prohibiciones impuestos por el estado que no son sencillos de valorar en su plenitud si no se es iraní y se está jugando la vida con las decisiones. Un ejemplo básico y preciso es que la cámara de grabación comienza a usarla un tercero invisible, su amigo y también cineasta Mojtaba Mirtahmasb, y termina por emplearla el propio Panahi y fuera del domicilio.

Podríamos dedicarnos a soltar las bondades y premios atesorados por la genialidad extraña de Panahi (muy distinta y mucho más directa en la critica a la de su compatriota Kiorastami), pero resulta del todo imposible resumir y transmitir la verdadera oda a la libertad, la conciencia y a la desobediencia que supone esta pequeña joya. Sólo es posible verla y que nos ayude a luchar por la libertad, y que no nos dé pereza usarla, que todo lo que no se usa se acaba perdiendo.

Theatrical Version

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tlapil
  
Llegué a esta publicación mirando el video adjunto, el cual, en su escasa duración, aborda cuestiones relevantes. Sin embargo, al leer el texto de la publicación me he desencantado; nombrar a líderes estatistas para emparentarlos con un director cautivo, me parece un desatino.
Amanecer en "El Sur"

Manuel
 Zotlandia 
@Por qué amo el cine+ Ya creo haber dicho por aquí que soy un enamorado del (¡ay, tan escaso!) cine de Víctor Erice. Este largo plano secuencia de "El Sur", en que, con el fondo de los ladridos de los perros y los pasos apresurados en la casa, en un sabio manejo de la luz, "vemos" y sentimos  amanecer, me fascina. Ni sé las veces que he visto esta hermosísima película inacabada...



Ladra el Sur, Amanece el péndulo
by Antonio Medinilla on YouTube
Por qué amo el cine
  
No recordaba la escena. La acabo de descargar para verla. Manías contra el youtube :-/. Muy buena.

Técnicamente no podría considerarse plano-secuencia, lo cual no significa nada más allá de una memez técnica, porque sigue siendo magnífica. Se corta varias veces de plano y la cámara es fija en cada uno de ellos.
Manuel
  última edição: Tue, 29 Aug 2017 07:15:33 -0300  
La cámara fija, que tanto le gusta a Erice, es habitual en el cine chino ¿no? Para el espectador contemporáneo occidental, acostumbrado a las cámaras "inquietas" que se mueven continuamente, esto debe ser una especie de tortura :-)
Por qué amo el cine
  
Básicamente. Cuando alguien me dice que una peli es muuuu' lenta, ya sabemos a qué se está refiriendo. En el cine occidental, si no recuerdo mal, la media de duración de un plano es entre 10 y 12 segundos. Los montadores se lo tienen muy bien aprendido, porque si no los productores les rebanan el cuello. Ran, por ejemplo, empieza con un plano de cámara fija que si no dura por lo menos diez minutos poco le falta. Y Kurosawa es, en estilo, el más occidental de los directores orientales, dicen.
"Tierra" (Rusia 1930, A. Dovzhenko)

Por qué amo el cine
  
Desgraciadamente, como suele pasar en todo en esta vida, un genio eclipsa con su esplendor al resto de estrellas que también iluminan el cielo.

Le sucedió a Eisenstein, cuya forma de entender la dirección y aplicar determinadas técnicas al séptimo arte, así como su implicación política, minimizó el impacto de otros directores contemporáneos que merecen sin duda un hueco en nuestro tiempo y en nuestra memoria. Es el caso de Pudovkin o de Dovzhenko.

Dovzhenko tiene en su haber al menos dos de las mejores películas del cine mudo soviético: "Arsenal" y "Tierra", segunda y tercera entrega de su "Trilogía de Ucrania". La influencia de algunas técnicas del director ucraniano incluso en lo que se daría a conocer como la Nouvelle Vague (por ejemplo en los saltos de cámara) es palpable con sólo ver algunas de las secuencias de ambos filmes.  

Tierra (VOSE A. Dovzhenko, 1930)

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"PROFECÍA" mirada al mundo contemporáneo desde los ojos de Pasolini

Untsïti
  
"Saldrán de bajo la tierra... para enseñar a sus compañeros trabajadores la alegría de vivir..."
Hermosa película / documental que, tomando como inspiración y base la creación y mirada de Pier Paolo Pasolini, escudriña las crisis y transformaciones del mundo contempráneo, iluminando su conexión con el pasado heredado y trayendo a la superficie la capacidad profética de Pasolini en su empatía con la vida misma.
Está en italiano con subtítulos en inglés... lo siento, es lo más que pude conseguir.


Profezia - L'Africa di Pasolini (sub Eng) Part I
by Enrico Menduni on Vimeo



Profezia - L'Africa di Pasolini (Sub Eng) Part II
by Enrico Menduni on Vimeo

#pasolini #poesía #profezia #profesía #poesia  #africa #sartre #lucha #lotte #poetry #documental
@Por qué amo el cine+ @Por qué amo el cine
Por qué amo el cine
  
No conocía este documental :-) . Apuntado queda. Gracias, @Untsïti .

A ver si puedo encontrarlo en español o subtitulado y lo cuelgo.
Untsïti
  
Sería genial si lo encontrases. Estaré al tanto.
"Kedi, gatos de Estambul" (VOSE, 2016)

Rafa Poverello
  
A tanto amante de los gatos que hay por aquí les va a encantar. El resto... lo mismo se convierte :-D.

Cientos de miles de gatos vagan libremente por la frenética ciudad de Estambul, la metrópolis turca de casi 15 millones de habitantes que divide Oriente de Occidente. Sin dueño, estos animales viven entre dos mundos, ni salvajes ni domésticos -y llenan de alegría a los que deciden adoptar-. En Estambul, los gatos funcionan como reflejo de las gentes, permitiéndoles reflexionar sobre sus vidas de una forma única.


Kedi (Gatos de Estambul) Tráiler

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Podéis descargar el filme desde este enlace

Kedi, gatos de Estambul (VOSE).mp4 (download torrent) - TPB

@Felidae lovers+
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"Madre India" (India 1957, Mehboob Khan)

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Al final de la reseña podéis ver online o descargar el filme.

Tienen en la India su particular “Lo que el viento se llevó”, su drama histórico, su largometraje a color imprescindible... su perdurable obra maestra. Se trata de la monumental epopeya “Madre India”, rodada en 1957 por el polifacético Mehboob Khan.

Dos son la diferencias notable entre ambas joyas. En primer lugar que, mientras el filme de Hollywood forma parte de cualquier videoteca que se precie, la ha visto hasta quien en realidad no la ha visto, y puede hallarse en el más remoto rincón del planeta, desde centros comerciales nada cinéfilos hasta un videoclub de barrio o en cientos de web de descarga directa, la película de Bollywood es conocida por cuatro iluminados, de los cuáles la han podido disfrutar dos, y por muchos rincones recónditos del planeta en que la busques te mirarán con cara de repóquer y si hay suerte lo mismo la puedes descargar vía enlace eD2k y hasta tendrás que añadirle los subtítulos. El segundo es igual de obvio: no hace falta ser un friki empedernido para haber oído hablar de Victor Fleming, George Cukor o Sam Wood, el caso de Mehboob Khan (que cuesta hasta escribirlo sin un corta-pega) es meridianamente distinto.

Y el caso es que el bueno de Mehbood, guionista, actor, director y productor, es tan reconocido en su país natal como Gandhi (salvando las distancias nada someras) y a mediados de los años 40 del pasado siglo llegó a crear unos estudios cinematográficos con su nombre: Mehbood Studios, y la cinta que nos ocupa, “Madre India”, se convirtió tras su estreno y durante décadas en un punto de referencia indiscutible en el panorama internacional del séptimo arte.

Con claras vinculaciones con el cine comprometido y ciertamente pesimista de Douglas Sirk (“Sólo el cielo lo sabe”, 1955) y Nicholas Ray (“Johnny Guitar”, 1954), la película de Khan desentraña el tejido social a través del papel central de una mujer, en este caso, Radha, una campesina que sufre toda clase de penalidades y atropellos junto con toda su familia a manos de un codicioso terrateniente. Radha, interpretada magistralmente por la famosa actriz Nargis, otorga a su personaje de un realismo y una fuerza sublimes y poco habituales para la industria india, más centrada en el entretenimiento. Mientras contemplamos los primeros planos de la protagonista y su esfuerzo sostenido en numerosas escenas del filme se hace imposible no rememorar la planificación y el estilo épico y político de dos filmes soviéticos de los años 20: “La madre” (Pudovkin, 1926) y “Arsenal” (Dovzhenko, 1929).

Al igual que sucede con “Sólo el cielo lo sabe”, la película de Mehbood Khan está repleta de metáforas acerca de la libertad y la justicia: los brazaletes recurrentes, el río/sangre, los colores... el propio título de la obra da a entender sin reservas que los protagonistas no son necesariamente personas concretas sino símbolos de la propia nación que se hacen tierra (en una escena un grupo de campesinos forman el contorno de la India en las tierras que cultivan).

No es de extrañar, en base a los valores como pueblo que logra imponer Mehbood desde el compromiso social, que el filme que nos ocupa no sólo fuera un éxito de taquilla en India, sino también en buena parte del mundo donde no predominaba el cine norteamericano: Oriente Medio, China, Unión Soviética, Egipto...

En cierta medida, “Madre India”, aunque no renuncia a los números musicales, supuso una clara ruptura con las convenciones de Bollywood, pues las canciones se reducen notablemente a momentos en los cuales el director desea resaltar aspectos concretos, generalmente la juventud como divertimento o en casos muy puntuales el dramatismo extremo, siendo siempre una constante a lo largo del filme el tema del sufrimiento, ante el que hay que oponerse desde la dignidad, aunque convenga asumirlo como parte de la vida, en ocasiones con irremediable estoicismo.

Madre India CD1 (Mother India, 1957)

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Madre India CD2 (Mother India, 1957)

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Manuel
  
Me la apunto para agosto.
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Es un poquito larga, la jodía, pero merece mucho la pena. Teniendo en cuenta lo que vamos a ver, claro: cine indio de los 50.
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La MareaLa Marea escreveu a seguinte publicação Fri, 14 Jul 2017 05:34:09 -0300